El Guernica

Esta obra recibe el nombre de Guernica que fue realizado por Pablo Ruiz Picasso, más conocido por Picasso. La obra fue pintada sobre los meses de mayo y junio de 1937.
Este cuadro se encuentra en el museo Doña Sofía en Madrid. Una de las características de este cuadro son sus dimensiones, el cuadro tiene unas medidas de 349,3 x 776,6 cm.

La técnica que ha utilizado Picasso en esta obra es la técnica del óleo sobre lienzo, el soporte que ha utilizado es un lienzo rectangular de gran tamaño.

Esta obra representa el bombardeo que sufrió la ciudad de Guernica, en esta obra se refleja todo lo ocurrido en Guernica, para ello Picasso represento muchos elementos simbólicos que representan todas las consecuencias del bombardeo y el sufrimiento de las personas que los sufrieron. Cada elemento que hay en el cuadro tiene un sentido subjetivo, es decir, que Picasso no dijo concretamente lo que significaba cada elemento.
En el cuadro aparecen seis personas y tres animales.
A la izquierda del cuadro aparece un toro, este toro está representado con el cuerpo oscuro y su cabeza blanca. El toro está trastornado por todo lo que está ocurriendo a su alrededor. Picasso dijo que el toro simboliza la brutalidad y la oscuridad.
Bajo al toro, está representada una madre con su hijo muerto. Picasso ha representado a esta mujer mirando hacia el cielo, gritando desconsoladamente con mucho dolor. La lengua de esta mujer es afilada como un puñal y sus ojos tienen forma de lágrima. En sus brazos sostiene a su hijo muerto. Según dicen la madre con su hijo muerto simboliza a todas las madres e hijos que han sufrido el bombardeo.
Entre el toro y el caballo encuentra situada una paloma. A simple vista no se puede apreciar con facilidad, solo se aprecia una franja de color blanco. Esta paloma tiene sus alas caídas, la cabeza hacia arriba y su pico abierto. Se considera que representa el símbolo de la paz roto.
Del guerrero muerto solamente se puede apreciar los restos de la cabeza, y los dos brazos o antebrazos, no se puede distinguir con claridad. El brazo que al parecer está completo tiene una mano extendida, en la otra mano del brazo sostiene una espada rota y una flor. La mano de este soldado y lo que sostiene simboliza la poca esperanza dentro de lo que está ocurriendo.
La bombilla que se encuentra en el centro de la obra. EL símbolo de la bombillo se ha relacionado con la bomba que estalló.
EL caballo que se encuentra situado en el centro de la obra. Su cuerpo está hacia la derecha, y su cabeza está hacia la izquierda, consiguiendo una postura imposible, muy propio del tipo de estilo al que pertenece, que es el cubismo. Tiene un pata delantera levantada, como si estuviera sosteniendo el equilibrio, ya que está apunto de caerse. En su costado se encuentra una herida vertical que está atravesada por una lanza. Al igual que la mujer que está sosteniendo a su hijo en brazos el caballo también se encuentra con la boca abierta y la lengua sacada y acabado en punta.
A lado aparece una mujer que sale de una ventana con una vela en sus mano, ella sale aturdida como si no supiera reaccionar con lo que está ocurriendo. Esta mujer puede representar a la República, que sale como si fuera un fantasma para ver todo lo que desgraciadamente ha pasado.
Debajo de la mujer con la vela aparece una mujer que vaga desconsoladamente, ella está herida y no sabe hacia dónde ir. Ella solo quiere escapar de ese horror.
Al extremo derecho del cuadro aparece una mujer que está en una casa en llamas, se encuentra con los brazos levantados y gritando desconsoladamente. Picasso ha querido representar el sufrimiento de esa mujer queriendo salir de ese edificio en llamas, lo comparan con las personas que están sufriendo todo el bombardeo y quieren que eso se acabe.

La formas que utiliza Picasso en esta obra son formas geométricas, ya que el estilo del cuadro, el cubismo, se utiliza este tipo de forma, también hay que destacar de este estilo como representan figuras que en la vida real son imposibles de hacer.

Los colores que utilizados en este cuadro son el negro, gris y blanco. Es un cuadro que utiliza colores muy tristes poque lo q ue quiere transmitir Picasso con este cuadro es todo el sufrimiento y la tristeza que pasó la gente de esa ciudad.

Esta obra pertenece al cubismo, fue un estilo inventado por Picasso. Una de las características de este estilo es que solo se utiliza líneas rectas, lo que da lugar a figuras geométricas. Es un estilo abstracto, solo lo aprecia con claridad quien lo ha pintado.

Fue encargado por el Gobierno de l a República Española, ya que se pensaba que iba a ser expuesto en la Exposición Internacional de 1937 que se realizaba en París. La finalidad de exponer el cuadro era atraer la atención del público para que de alguna manera estuvieran a favor de la república, esta exposición era durante la Guerra Civil.
En 1940 Picasso decidió dejar el cuadro en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, ya que España se encontraba bajo la dictadura de Franco, pero Picasso pidió que cuando en España se volviera a instaurar la democracia el cuadro de Guernica volviera a España.
En 1981, una vez que la democracia volvió a España, finalmente la obra se expuso por primera vez al público en el Casón del Buen Retiro y desde 1992 el cuadro se encuentra en el Museo Reina Sofía en Madrid.

Este cuadro representa el bombardeo el 26 de abril de 1937 que sufrió la ciudad de Guernica, ya que Hitler quería provar sus aviones de guerra, todo esto se llevo a cabo con el consentimiento de Franco.

Órden corintio

El templo de Zeus Olímpico se encuentra en Atenas, este templo se empezó a construir en el siglo V a.C y se terminó en el siglo II, cuando reinaba el emperador Adriano. Este fue uno de los templos más grande e miportantes de las épocas helenísticas y romanas. El templo fue realizado por el arquitecto griego Cosutio,.

El templo está construido con mármol. Las meidas del templo son 96 metros de largo y 40 metros de ancho. Cuando el templo estaba completo, todavía no había sufrido ningún daño, tenía 104 columnas de 17 metros de órden corintio. Bajo los frontones había un tra filas de columnas, en total formaban un grupo de 48 metros. En cada lado del templo había una doble fila de columnas, en total 56 columnas. En su época, cuando el templo estaba completos tenía unas dimensiones enormes, pero actualmente está en ruinas como la mayorí de templos grieogos y ahora solo 15 columnas de esas 104 se mantienen de pie.



Lo que más se conserva de este templo son las columnas, que tenían las características de las columnas del órden corintio. Las columnas del órden corintio están compuestas por una basa, que es donde se apoya el fuste. El fuste es el tronco de la columna, en el caso del templo Zeus Olímpico de Atenas los fustes son enormes y le dan esa altura tan impresionante y carcterísticas de este templo. En el fuste hay unas estrías que están a lo largo y mantienen la misma longitud entre ellas. Otro elemento de las columnas corintias es el capitel, que es el elemento más llamativo de este órden, ya que en ellos se aprecian las tallos de acanto, es como si las hojas de esta planta hubiera crecido y en cada esquina del capitel se observa. El capitel corintio es el más conplejo y trabajado, ya que no buscan la sencillez como por ejemplo el capitel dórico.

El templo y otras ruinas de elementos del arte griego forman un distrito histórico.

Órden jónico

El templo de Atenea Niké fue construido en conmemoración a los soldados que lucharon contra los persas y consiguieron la victoria. Este templos está dedicado a la diosa Atenea, como diosa de la guerra y la victoria.

El templo se encuentra en la Acrópolis de Atenas, se realizó durante el periodo de Pericles. El templo se empezó a construir en el año 421 a.C y se finalizó en 420 d.C. El autor de este templo es el arquitecto griego Calícrates. Carlícrates tuvo una dificultad, que tenía un espacio muy reducido y tuvo que hacer algunos cambios para adaptarse al terreno.

El templo de Atenea Niké mide ocho metros de altura. El templo está elevado unos metros por el basamento, que está compuesto por unos escalones que lo elevan.

Las columnas de este templo son las columnas del órden jónico, ya que el templo pertenece a esa órden. Las columnas del templo están compuestas por una basa, la basa va apoyada sobre el basamento, el fuste que se podría decir que es el tronco de la columna y va sobre la basa, al contrario del órden dórico que el fuste de la columna iba directamente apoyado sobre el basamento.El fuste está decorado con estrías que entre sí tienen la misma longitud. El capitel es otro elemento de la columna jónica, una característica del capitel jónico es que su inicio se puede observar un detalle, a los lados del capitel hay como dos pequeñas espirales que sirve de decoración.

El arquitrabe que está formado por tres pequeñas bandas, el friso que es similar al arquitrabe y va apoyado sobre él, estaba decorado con escenas de las guerras micénicas.

El friso de este templo actualmente se encuentra en ruinas, al igual que su cubierta que era de dos aguas. El friso estaba dedicado a Atenea, en él podemos ver a Atenea, Zeus y Poseidón prestando su ayuda a los ateniense, el autor al realizar este friso lo que quería era animar y levantar la moral de los atenienses que estaban en plena guerra que acabarían perdiendo, esa guerra fue la del Peloponeso.

En el templo había representaciones de la diosa Atenea, ya que el templo iba dedicado a ella, por ser diosa de la guerra y la victoria, como ya he dicho antes este templo fue realizado en conmemoración a la victoria sobre los persas.

Orden dórico

El templo de Afaia pertenece al ordén dórico. Este templo compone una de los tres triángulos del Pantenón,Sunión y Afaia.

Se encuentra en la isla de Egina. Fue construido durante el siglo V a.C y VI a.C, pertenece al periodo arcaico y clásico del arte griego, ya que no se conoce la fecha exacta de su construcción.

Durante mucho tiempo este templo fue considerado como un templo de Zeus, pero con el paso del tiempo se consideró un templo de Atenas.

El templo de Afaia se le atribuye este nombre por una ninfa cretense, hija de Leto. Era muy guapa, y siempre era perseguida por los hombres, ésta intentó escapar, tirándose al mar pero fue recogida por un pescador egineta. Ella se enamoró de él. Su medio hermana la hizo desaparecer, ella la convirtió en Afaia, que significa la invisible. Este templo se construyó en el lugar donde ella desapareció y se le dió su nombre.

El templo está construido con piedra.
Este templo actualmente no posee cubierta, ya que ha sufrido muchos daños, pero antiguamente el templo poseía una cubierta de dos aguas, los griegos utilizaban este tipo de cubiertas para que cuando lloviera el agua no se quedara estancada en la cubierta del templo.

El templo de Afaia posee un frontón, que está realizado con mármol. Cada frontón representa las luchas de los dioses contra Troya, todas las luchas se realizan a la presencia de la diosa Atenas que se encuentra en el centro. En este frontón también están representados muchos héroes de la mitología griega como Heracles.

Una de las características de este templo es que era uno de los pocos templos que estaban policromados, lo que pasa es que actualmente eso no se puede apreciar ya que el templo ha sufrido muchos daños.

Las columnas de este templos son diferentes a la de los templos de órden jónico y corintio, ya que este templo pertenece al órden dórico. Las columnas dóricas no tienen basa, el fuste va directamente apoyado en el basamento. El fuste va decorado con líneas, son como estrías, que tienen la función de decorar de alguna manera. El capital de las columnas dóricas están formados por tres partes que son collarino, equino y ábaco.

Diseño Ejercicio 3

Diseño Ejercicio 3

Diseño Ejercicio 2

Diseño Ejercicio 1

Grupo de familia

1.Identificación
·Grupo de familia
·Henry Moore.
·1950.
·Esta escultura se encuentra en la entrada de La escuela de Barclay, esta escuela de secundaria se encuentra en Reino Unido.

2. Lectura formal
La obra que voy a comentar a continuación trata sobre una escultura.
El material que ha utilizado este escultor ha sido el bronce. La textura de esta escultura es suave y lisa, ya que esas son las características de este material.
Para realizar esta escultura el escultor ha querido utilizar un método que consisite en fundir el material de que está hecha la escultura hasta conseguir su forma. En este caso, lo que el escultor ha hecho fundir el bronce hasta poder darle la forma que él deseaba a la escultura.

Esta escultura es exenta porque todos sus lados están trabajados, es independiente de todo porque no depende de ninguna superficie a la que este pegada.

Esta escultura es figurativo, porque podemos distinguir todos los elementos que hay en ella. La escultura está compuesta por tres elementos, se puede apreciar como estos elementos están formando una familia. Estos tres elementos están sentados es un banco de bronce, al igual que los tres elementos. En la parte izquierda de la escultura hay un elemento representando al padre de la familia. En el centro se puede ver al hijo, un niño de corta edad y a la derecha de la escultura se puede ver a la madre de la familia.

Las formas que predominan en esta escultura son formas redondas y líneas curvas, esto es debido ya que el escultor quiere transmitir naturalidad.

Los tres elementos que hay en la esculturas son elementos claves, porque ellos son los que le dan sentido a la obra. La escultura se encuentran en un orden lógico, porque a la izquierda de la escultura se encuentra el padre, al otro extremo esta la madre, se le puede diferencia porque este elemento se puede apreciar como en sus piernas unos pliegas de una falda o vestido. Y en el centro de la escultura está el bebé pequeño, que supongo que será el hijo de las personas que están a los extremos de la escultura, esto hace que la escultura tenga una forma lógica. Es una escultura equilibrada, ya que el peso está repartido por todo el peso de la escultura. Puede haber un a cierta simetría porque si dividimos la escultura en dos a cada extremo queda una parte de la escultura en el extremo derecho queda el hombre y en el otro la mujer.

Esta escultura es monocroma porque que en ella solo predomina un color. El color que predomina es el bronce, el escultor ha preferido no pintarla y dejarla del color del material que está hecha.

3.Lectura contextual.

El autor de esta escultura es Henry Moore. Su nombre completo es Henry Spencer Moore. Nació el 31 de agosto de 1898 en Castleford y murió el 31 de agosto de 1986 en Herlfordshire. El estilo de Henry Moore era el modernismo, típico de su época. Este escultor y dibujante se vio influenciado por muchos escultores y pintores, por ejemplo de Miguel Ángel y Giovanni Pisano.

Este movimiento estaba presente en el arte a finales del siglo XIX y a principios del siglo XX.

Henry Moore se ha caracterizado por realizar esculturas con figuras yacentes y también donde representaba a la madre con su hijo, esto se puede ver reflejado en esta escultura, la madre esta con su hijo pero en este caso también esta el padre. En sus últimos años como escultor Henry Moore reflejó constantemente la figura del cuerpo humano. También se interesó por lo abstracto, en esta escultura podemos apreciar algo un poco abstracto en el rostro de las personas que representan la figura. Podemos ver como el escultor no se ha parado en esos de talles, como lo ha pasado por alto pero que final mente lo podemos entender como son personas. Esto era una característica del estilo de Henry Moore, porque poco a poco fue consolidando su propio estilo, lo fue creando. Al igual que la Familia en Grupo esta característica la podemos ver en otra de sus obras, por ejemplo en Rey y reina.

Esta escultura es la primera escultura que realizó Henry Moore después de la guerra, también fue la primera escultura de bronce que se encuentra expuesta en el exterior.

Esta escultura fue realizada porque un educador llamado Morris que estaba reformando la Village College le encargó a Henry Moore que realizara toda la escultura pública para el campus, entonces Henry Moore realizó una maqueta de esta escultura para colocarla en el campus. Este proyecto se canceló, ya que la Village College no tenía suficientes fondos para cubrir todos los gastos del proyecto. Entonces en 1950 Henrry Moore utilizó el diseño de la maqueta que realizó en años anteriores para hacer la estatura Familia en grupo, que en la actualidad está expuesta en el exterior de la escuela The Barclay School.

4.Lectura temática

Pienso que el tema principal de esta escultura es la familia, con este tema lo que el escultor quiere transmitir es un sentimiento de cariño, confianza, amor...Esto son los pilares fundamentales de una familia, en la escultura se puede observar como los pilares básicas son los padres que sienten estos sentimientos por su hijo.

David

1.Identificación.

·David.
·Miguel Ángel.
·Esta escultura fue realizada entre los años 1501 y 1504.
·Al principio esta expuesta en la Plaza de la Señoría hasta 1910, actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.
·El David de Miguel Ángel mide 517 cm de altura.

2.Lectura formal.

La obra que a continuación vamos a comentar es una escultura. La técnica que ha utilizado Miguel Ángel en esta escultura ha sido la técnica de la talla, es la técnica que se suele utilizar con el material del que está hecha la escultura. La técnica de la talla consiste en ir tallando el bloque de mármol con un cincel hasta conseguir la forma de la escultura.

El material que ha utilizado Miguel Ángel en la escultura ha sido el mármol. Este material ha sido muy utilizado en la etapa del Renacimiento, a la que pertenece el David. Miguel Ángel ha utilizado este material en muchas de sus esculturas. La textura de esta escultura es suave y lisa, ya que esas son las características del material que está hecha.

Esta escultura es exenta, ya que tiene trabajado todos sus lados y es autónoma, es decir, que no esta pegada a ninguna superficie ni a ningún soporte.

El método que utiliza el escultor en esta escultura es el método sustractivo porque va sustrayendo el material, en este caso el mármol, hasta formar la escultura. La técnica que ha utilizado, como ya he dicho antes, es la técnica de la talla.

En el David de Miguel Ángel se encuentra una línea de fuerza principal, es la que está en la pierna derecha de la escultura. Esa línea de fuerza va dirigida hacia la parte inferior de la escultura porque ahí es donde se centra todo el peso de ella.

La escultura no tiene equilibrio, porque el peso de la escultura no esta repartido sino que se centra en la parte derecha del cuerpo de David. El escultor ha tenido que añadir un bloque pequeño de mármol a la escultura, se encuentra detrás de la pierna derecha, es como un trozo de árbol, esto sirve para ayudar a soportar el peso de la escultura.
En esta escultura no predomina la simetría, porque si la escultura la dividimos en dos, sus parte son desiguales, lo que el escultor ha querido es que haya cierta asimetría.

Esta escultura es figurativa, porque podemos distinguir con claridad todos los elementos que hay en ella. En la escultura se puede apreciar nu hombre, con dimensiones más grandes que lo real, con un cuerpo musculoso y perfecto que esta completamente desnudo. En su mano izquierda tiene una honda, esa mano esta apoyada sobre su hombro. Y en su mano derecha tiene una piedra. El escultor ha querido representar a este hombre como si estuviera pensando como utilizar esos utensilios. En verdad, lo que esta escultura quiere representa es una escéna bíblica, como David mata a Goliat.

Las formas de esta escultura son muy naturales, porque así eran las característivas del Renacimiento. En aquella época se intentaba que las esculturas fueron lo más natural posible y erna muy detallistas, intentaban que todo estuviera perfecto.

En esta escultura el elemento principal es el hombre, ya que es el único elemento y por tanto el núcleo de la escultura. Este elemento representa a David en el momento que estaba pensando como matar a Goliat. El escultor ha querido reflejar en su rostro rasgos pensativos. David esta pensando como matar a Goliat con la honda y la piedra. El escultor ha representado muy bien esto, no solo en el rostro de su cara, sino también en la postura de su cuerpo, ha querido reflejarlo en toda la escultura.

La esucltura es monocroma, porque en ella solo predomina un color y ese color es el color demármol. El escultor no ha querido pintarla, en mi opinión así la escultura tiene más elegancia que pintada.

3. Lectura contextual.

Esta esucltura esta realizada por Miguel Ángel Buonarroti. Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese y murió el 18 de febrero de 1564 en Roma. Es uno de los artistas más destacados, tanto en la pintura, escultura y arquitectura

Miguel Ángel a realizado muchas obras tanto escultura, pintura como arquitectura pero sus obras más destacadas han sido la Piedad del

Vaticano, Bóveda de la Capilla Sixtina y David.

El estilo de Miguel Ángel es el estilo renacentista italiano, ya que él era de esa época. En esta etapa destacaba las posiciones clásicas de las esculturas y el desnudo de estas. En el renacimiento italiano también cuidaban los detalles. En la escultura de David pordemos ver estos detalles del Renacimineto en el pelo rizado de David, en el rostro de su cara. En el brazo derecho se puede apreciar como el escultor ha

representado a la perfección las venas.

Esta escultura fue encargada por la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore, estas personas eran de la cooperativa de mercaderes de la catedral. Esta catedral se encuentra en Florencia. Al principio esta escultura estuvo expuesta en la plaza de Signoria. Pero esta obra de grna valor sufrió muchos daños por las constantes lluvias. Entonces quitaron esta esucltura de la plaza en la que estaba expuesta y la pusieron en el museo donde actualmente se encuentra. Hicieron una copia similar y la colocaron en la plaza, donde la verdadera se encontraba antes.

4.Lectura temática.

Esta escultura re presenta un relato bíblico. El tema de esta escultura es la lucha de David contra Goliat. Lo que esta escultura refleja es el momento en que David está pensando como ganar a Goliat, con la honda y la piedra que tiene en sus manos. El escultor ha representado muy bien el rostro pensativo que en ese momento tiene David.

Miguel Ángel

·Título: Virgen de la escalera.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1491
·Localización: Se encuentra en la Casa Buonarroti en Florencia.
·Datos técnicos: 55,5 x 40 cm.
·Características: Es una escultura en relieve de mármol.



·Título: La batalla de los centauros.
·Autor: Miguel Ángel
·Fecha: Aproximadamente en 1492.

·Localización: Se encuentra en la Casa Buonarroti.
·Datos técnicos: 84,5 x 90,5 cm.
·Características: Se trata de un relieve de mármol.

·Título: Ángel.

·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1494.

·Localizacion: Se encuentra en la Basílica de San Domínico en Bolonia.

·Características: es un bulto redondo de mármol.

·Título: Bacus.
·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: Fue realizada entre los año 1496 y 1497.
·Localización: Esta expuesta en el museo Nacional de Bargello.

·Datos técnicos: 203 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: La piedad del Vaticano.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: Entre los años 1498 y 1499.

·Localización: Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.

·Datos técnicos: 174 x 195 cm.

·Características: es un bulto redondo de mármol.

·Título: David.

·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: Entre los años 1501 y 1504.
·Localización: Se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia.
·Datos técnicos: 517 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol blanco. Es una de las obras mñas importantes y famosas de Miguel Ángel.

·Título: Tondo Taddei.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1504.
·Localización: Se encuentra en Londre en la Royal Academy of Arts.
·Datos técnicos: 109 cm de diámetro.
·Características: Es un relieve redondo de mármol.

·Título: Tondo Pitti.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1503.
·Localización: Se encuentra en el museo Nacional de Bargello.
·Datos técnicos: 82 x 85,5 cm.
·Características: Es un relieve de mármol redondo.

·Título: Madonna de Brujas.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: Entre los años 1501 y 1504.

·Localización: Se encuentra en la iglesia Nuestra Señora en Brujas.

·Datos técnicos: Sus medidas son de 123 cm.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: San Mateo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1503.

·Localización: Se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 2,61 m de altura.

·Características: Es un relieve de mármol.

·Titulo: Moises.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: Entre 1513 y 1515.

·Localización: San Pietrio in Vicoli.

·Datos técnicos:

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Esclavo moribundo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1513-1516.

·Localización: Se encuentra en el museo de Louvre en París.

·Características: Es un nulto redondo de mármol.

·Título: Esclavo rebelde.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1513-1516.

·Localización: Se encuentra en el museo de Louvre en París.

·Datos técnicos: 215 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Joven esclavo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1520.

·Localización: Se encuentran en la Galleria dell' Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 256 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Esclavo despertándose.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1520.

·Localización: Esta escultura se encuentra en la Galleria dell' Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 267 cm de altura.

·Características: Es un relieve de mármol.

·Título: Esclavo barbudo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1520.

·Localización: Se encuentra en la Galleria dell' Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 263 cm de altura.

·Caracterísicas: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Cristo de la Minerva.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1521.

·Localización: Esta escultura se encuentra en la iglesia de Santa María sopra de Minerva en Roma.

·Características: Esta escultura se trata de un bulto redondo de mármol.

Diez esculturas

Diana de Versalles.
Esta escultura es del siglo I o II, se desconoce su autor.
Esta escultura representa a la diosa diana, Artemisa en la mitología griega, ella es la diosa de la caza, se encuentra en el museo de Louvre en París, en la época antigua servía como culto.

Esta escultura esta fabricada con mármol, es una escultura suave y lisa por el material del que esta hecho.
La escultura es figurativa ya que se distinguen todos los elementos que hay en ellas, en esta escultura se distinguen la diosa Diana, un ciervo y las flechas que ella tiene a sus espaldas. Es una escultura realista porque representa algo que ocurre en la vida real, en este caso puede ser la caza. Es exenta porque es independiente de cualquier otro elemento, es autónoma. Es una figura asimétrica, ya que no se aprecia ninguna similitud entre sus lados.

El método que utiliza escultor en esta obra es el método sustractivo, porque quita elementos. La técnica que utiliza es la técnica de la talla, golpeando un cincel con un martillo para tallar la piedra.

Esta escultura es monocroma porque predomina un solo color, en este caso el escultor ha preferido no pintarla, ha dejado el color del mármol que es blanquecino.

Piedad del Vaticano

Esta escultura fue realizada por Miguel Ángel, entre 1498 y 1499. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Es una escultura que pertenece al Renacimiento.

El material que ha utilizado el escultor es el mármol, por lo tanto es una escultura lisa y suave, ya que se ha utilizado este material.
Esta escultura es figurativa, porque se distinguen con claridad todos lo elementos de la escultura, en este caso se puede apreciar como la virgen sostiene a su hijo Jesús muerto entre sus brazos, también se pueden distinguir todos lo detalles, como por ejemplo los pliegues del vestido de la virgen y la expresión transmite tristeza y piedad. La escultura es realita y exenta, es exenta porque se pude ver desde todos sus ángulos y es independiente, no consta de ningún otro elemento que sirva de apoyo.

El método de esta figura es sustractivo porque el escultor ha ido quitando elementos de la escultura. La técnica que ha utilizado es la técnica de la talla, porque es la que normalmente se utiliza con este tipo de material.

Se puede apreciar simetría en la virgen, si tu divides a la virgen en dos partes son iguales, en cada una queda una parte del cuerpo de Jesús. Hay equilibrio porque tiene igual peso en sus dos partes. En esta escultura no predominan colores, porque el escultor no la ha pintado y la ha dejado con el color del mármol.

Neferiti

Esta escultura fue realizada por Tuthmose, se encontró en 1912. Está en el museo egipcio de Berlín. Pertenece a la época griega.

Esta escultura esta realizada sobre un núcleo de piedra y modelada con yeso. La superficie de esta escultura es suave y representa una lisura.
Es una escultura figurativa, ya que distinguimos que la escultura es un bulto de la reina Neferiti, que fue muy importante en la época egipcia, se pueden distinguir todos los complementos que llevaba en la vida real como la corona y lo collares. Es exenta porque se puede observar desde todos sus ángulos y esta trabajada en todos sus lados, es autónoma.

El escultor ha combinado ambos métodos, ha utilizado el método sustractivo cuando a tallado el núcleo de piedra y el método aditivo cuando a moldeado el yeso para darle forma a la escultura.

Es una escultura totalmente simétrica, si se divide la escultura en dos sus partes son similares. Y esta equilibrada porque el peso de la escultura se divide al igual en todas las partes de la escultura. Se puede apreciar que es una escultura policromada, que está pintada de varios colores, en este caso son colores vivos.

Flamingo

Esta escultura esta realizada por Alexander Calder en 1973. Se encuentra en una calle de Chicago. Pertenece al siglo XX, es decir, a la época moderna.

Esta escultura está hecha de acero, es una escultura resistente y lisa. La escultura es abstracta, ya que no podemos distinguir de que trata la escultura, ni los elementos que hay en ella. Cuando una figura es abstracta es muy difícil apreciar lo que el escultor ha querido transmitirnos con ella. Es una escultura exenta, porque esta trabajada por todos sus lados y se puede mirar de cualquier ángulo, es independiente.

El método que ha utilizado el escultor es el método aditivo, porque poco a poco a ido añadiendo cosas hasta que finalmente a formado esta escultura. Es como si fuera pegando todos de acero hasta formar la escultura.

Es una escultura abstracta, por lo tanto es asimétrica, no tiene ningún punto importante, toda la escultura destaca. En esta escultura el escultor solo ha utilizado un color, el rojo, por lo tanto es monocroma que solo está pintada de un color.

La batalla los Centauros

Esta es una escultura de Miguel Ángel. Fue realizada en el año 1492, se conserva en el museo de la Casa Buonarroti en Florencia.

Es una escultura de mármol, por lo tanto transmite suavidad. La escultura es figurativa porque podemos distinguir todo lo que hay en la escultura. En esta escultura se puede observar la batalla entre los griegos y los centauros. Se trata de un relieve, porque la escultura esta sobre una superficie y solo se puede mirar de frente. Un relieve puede ser de dos tipos relieve alto o bajo, en esta escultura es de los dos tipos porque en el centro de la escultura el relieve es alto y en la parte superior e inferior de la escultura el relieve es bajo, ya que en el centro la escultura tiene más profundidad mientras que en la parte superior e inferior tiene menos.

El método que utiliza en esta escultura es el método sustractivo porque utiliza el método de la talla, es el que se suele utilizar con este material.

Esta escultura no es simétrica porque si dividimos la escultura en dos las partes no son iguales. La escultura no necesita equilibrio ya que tiene un soporte.

La función que tiene esta esucltura es decorativa, es la función que tiene casi todos los relieves. Esta escultura no está pintada, por lo tanto el color de la escultura es el mismo del mármol.

Columna sin fin

Esta escultura esta realizada por Constantin Brancusi en 1938. Se encuentra en una calle urbana de Rumani, Targu Jiu. Esta escultura pertenece a la etapa moderna de la escultura.

Esta escultura esta hecha hecha de hierro fundido y hacero. La textura de esta escultura es lisa y suave. Aunque es una escultura moderna es figurativa, esto lo digo porque la mayoría de las esculturas modernas son abstractas. Esta escultura es figurativa porque se entiende que elemento hay en la escultura, una columna. es exenta porque se puede observar desde todo sus puntos de vista y es independoente de cualquier superficie.

El método que ha sido utilizado en esta escultura ha sido el método aditivo porque el escultor ha ido añadiendo elementos hasta formar la escultura.

Esta escultura tiene un perfecta simetría ya que si se divide en doa parte ambas son iguales. También tiene un perfecto equilibrio porque su perso está repartido por toda la escultura. El color de esta pintura es el mismo del acero, un color gris, es una pintura monocroma ya que en la escultura solo predomina un color.

Columna de Trajano

Esta es una foto de un fragmento de una un monumento de Roma. Este monumento es una columna que fue encargada por el emperador Trajano. Se desconoce al autor, pertenece a la época romana.

La escultura esta hecha de mármol, su textura no es suave ni lisa, como normalmente suele ser las esculturas que están hechas de mármol porque es su superficie hay relieves, estos relieves convireten a la escultura en una escultura aspera. Es una escultura figurativa, porque se distingue todo lo que hay en ella, la escultura representa las campañas ganadas del emperador Trajano. Esta escultura es exenta porque se puede mirar de todos lo puntos de vista y es independiente. La escultura esta decorada con relieves por toda sus partes, el tipo de relieve de esta escultura es relieve bajo porque la profundidad es casi nula. La función de este relieve es decorativa, sirve para que la columna este decorada.

El método de esta escultura es el método sustractivo, porque el escultor ha ido tallando el mármol hasta formar el relieve de la columna. La técnica que ha utilizado ha sido la técnica de la talla, es la que se suele utilizar con este material.

Esta figura es asimétrica, porque si la dividimos en dos las partes no son iguales ya que el relieve de cada parte es diferente. El equilibrio es perfecto porque el peso está repartido por toda la escultura. Antiguamente el relieve de la escultura estaba policromado pero con el paso del tiempo la figura ha perdido su color, ha podido perder el color por encontrarse al aire libre.

Monumento a Colón

Esta escultura esta dedicada a Colón, se encuentra en la plaza de Portal de la Pau en Barcelona. Fue expuesta al público en 1888. El autor de esta escultura es Rafael Atché.

Esta estatua está hecha de hierro y bronce, por lo tanto su textura es un poco rugosa. Es una escultura figurativa porque distinguimos todos los elementos de la escultura, en esta escultura hay una columna y al final de la columna esta la estatua de Colón ya que es una escultura dedicada a él. Es exenta porque es independiente de cualquier superficie y se puede mirar desde cualquier punto de vista.

El método que utiliza el escultor es el método aditivo, el escultor va añadiendo cosas hasta formar la escultura. Es el método que se suele utilizar con este tipo de material. La técnica que utiliza el escultor es la técnica de la soldadura.

En esta escultura puede haber simetría en la columna porque si se divide en dos las partes son iguales, luego en la estatua de Colón no hay simetría porque si la dividimos al igual que la columna las partes de la estatua no son iguales. Si hay equilibrio en ella porque el peso de la escultura está repartido. La escultura no está pintada, por lo tanto el color de la escultura es la misma que el metal, un color gris. En la escultura solo predomina un color.

Unidos somos

Esta escultura es de Miguel Martino. Es un escultor que trabaja con madera, todas sus esculturas son de madera. Esta escultura pertenece a la etapa moderna de la escultura.

El material que el escultora ha utilizado ha sido la madera, por tanto la textura será sueva por las características del material. La escultura es abstracta porque no sabemos lo que el escultor nos quiere transmitir con esta escultura, no la entendemos. Si es exenta porque es independiente y todos sus lados están trabajados.

El método que ha utilizado el escultor en esta escultura ha sido el método aditivo, el escultor ha ido añadiendo elemento hasta que finalmente a formado esta escultura. La técnica que ha utilizado con este material ha sido la técnica del encolado.

Esta escultura es simétrica porque si la dividimos las dos partes son iguales de esta escultura son iguales. Y tiene equilibrio porque su peso está repartido. La escultura es policromada porque esta pintada de dos colores, aunque el color que predomina es el color de la madera barnizada.

Venus de Milo

Se desconoce su autor. Es una escultura del años 130 y 100 a.C se creó entre estos años. Se encuentra en el museo de Louvre, en París. Pertenece al periodo helenístico.

Es una escultura hecha de mármol, como ya he dicho en anteriormente la textura de esta escultura sera suave y lisa por las características del material. La escultura es figurativa ya que podemos entender todo lo que hay en ella. En esta escultura se representa a la diosa Venus, una característica es que la diosa Venus no tiene brazos. Es exenta porque está trabajada por todos sus lados y es autónoma.

El método que ha utilizado el escultor en esta escultura es el método sustractivo, porque ha ido quitando material hasta formar la escultura. La técnica que ha usado ha sido la técnica de la talla, es la que se suele utilizar con este material.

Pienso que esta escultura no es simétrica aunque hay alguna posibilidad, y su equilibrio es perfecto ya que el peso de la escultura esta repartido por toda la escultura. Es una escultura monocroma porque solo predomina un color y es el color del mármol, el escultor ha preferido no pintarla.