Diseño Ejercicio 1

Grupo de familia

1.Identificación
·Grupo de familia
·Henry Moore.
·1950.
·Esta escultura se encuentra en la entrada de La escuela de Barclay, esta escuela de secundaria se encuentra en Reino Unido.

2. Lectura formal
La obra que voy a comentar a continuación trata sobre una escultura.
El material que ha utilizado este escultor ha sido el bronce. La textura de esta escultura es suave y lisa, ya que esas son las características de este material.
Para realizar esta escultura el escultor ha querido utilizar un método que consisite en fundir el material de que está hecha la escultura hasta conseguir su forma. En este caso, lo que el escultor ha hecho fundir el bronce hasta poder darle la forma que él deseaba a la escultura.

Esta escultura es exenta porque todos sus lados están trabajados, es independiente de todo porque no depende de ninguna superficie a la que este pegada.

Esta escultura es figurativo, porque podemos distinguir todos los elementos que hay en ella. La escultura está compuesta por tres elementos, se puede apreciar como estos elementos están formando una familia. Estos tres elementos están sentados es un banco de bronce, al igual que los tres elementos. En la parte izquierda de la escultura hay un elemento representando al padre de la familia. En el centro se puede ver al hijo, un niño de corta edad y a la derecha de la escultura se puede ver a la madre de la familia.

Las formas que predominan en esta escultura son formas redondas y líneas curvas, esto es debido ya que el escultor quiere transmitir naturalidad.

Los tres elementos que hay en la esculturas son elementos claves, porque ellos son los que le dan sentido a la obra. La escultura se encuentran en un orden lógico, porque a la izquierda de la escultura se encuentra el padre, al otro extremo esta la madre, se le puede diferencia porque este elemento se puede apreciar como en sus piernas unos pliegas de una falda o vestido. Y en el centro de la escultura está el bebé pequeño, que supongo que será el hijo de las personas que están a los extremos de la escultura, esto hace que la escultura tenga una forma lógica. Es una escultura equilibrada, ya que el peso está repartido por todo el peso de la escultura. Puede haber un a cierta simetría porque si dividimos la escultura en dos a cada extremo queda una parte de la escultura en el extremo derecho queda el hombre y en el otro la mujer.

Esta escultura es monocroma porque que en ella solo predomina un color. El color que predomina es el bronce, el escultor ha preferido no pintarla y dejarla del color del material que está hecha.

3.Lectura contextual.

El autor de esta escultura es Henry Moore. Su nombre completo es Henry Spencer Moore. Nació el 31 de agosto de 1898 en Castleford y murió el 31 de agosto de 1986 en Herlfordshire. El estilo de Henry Moore era el modernismo, típico de su época. Este escultor y dibujante se vio influenciado por muchos escultores y pintores, por ejemplo de Miguel Ángel y Giovanni Pisano.

Este movimiento estaba presente en el arte a finales del siglo XIX y a principios del siglo XX.

Henry Moore se ha caracterizado por realizar esculturas con figuras yacentes y también donde representaba a la madre con su hijo, esto se puede ver reflejado en esta escultura, la madre esta con su hijo pero en este caso también esta el padre. En sus últimos años como escultor Henry Moore reflejó constantemente la figura del cuerpo humano. También se interesó por lo abstracto, en esta escultura podemos apreciar algo un poco abstracto en el rostro de las personas que representan la figura. Podemos ver como el escultor no se ha parado en esos de talles, como lo ha pasado por alto pero que final mente lo podemos entender como son personas. Esto era una característica del estilo de Henry Moore, porque poco a poco fue consolidando su propio estilo, lo fue creando. Al igual que la Familia en Grupo esta característica la podemos ver en otra de sus obras, por ejemplo en Rey y reina.

Esta escultura es la primera escultura que realizó Henry Moore después de la guerra, también fue la primera escultura de bronce que se encuentra expuesta en el exterior.

Esta escultura fue realizada porque un educador llamado Morris que estaba reformando la Village College le encargó a Henry Moore que realizara toda la escultura pública para el campus, entonces Henry Moore realizó una maqueta de esta escultura para colocarla en el campus. Este proyecto se canceló, ya que la Village College no tenía suficientes fondos para cubrir todos los gastos del proyecto. Entonces en 1950 Henrry Moore utilizó el diseño de la maqueta que realizó en años anteriores para hacer la estatura Familia en grupo, que en la actualidad está expuesta en el exterior de la escuela The Barclay School.

4.Lectura temática

Pienso que el tema principal de esta escultura es la familia, con este tema lo que el escultor quiere transmitir es un sentimiento de cariño, confianza, amor...Esto son los pilares fundamentales de una familia, en la escultura se puede observar como los pilares básicas son los padres que sienten estos sentimientos por su hijo.

David

1.Identificación.

·David.
·Miguel Ángel.
·Esta escultura fue realizada entre los años 1501 y 1504.
·Al principio esta expuesta en la Plaza de la Señoría hasta 1910, actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.
·El David de Miguel Ángel mide 517 cm de altura.

2.Lectura formal.

La obra que a continuación vamos a comentar es una escultura. La técnica que ha utilizado Miguel Ángel en esta escultura ha sido la técnica de la talla, es la técnica que se suele utilizar con el material del que está hecha la escultura. La técnica de la talla consiste en ir tallando el bloque de mármol con un cincel hasta conseguir la forma de la escultura.

El material que ha utilizado Miguel Ángel en la escultura ha sido el mármol. Este material ha sido muy utilizado en la etapa del Renacimiento, a la que pertenece el David. Miguel Ángel ha utilizado este material en muchas de sus esculturas. La textura de esta escultura es suave y lisa, ya que esas son las características del material que está hecha.

Esta escultura es exenta, ya que tiene trabajado todos sus lados y es autónoma, es decir, que no esta pegada a ninguna superficie ni a ningún soporte.

El método que utiliza el escultor en esta escultura es el método sustractivo porque va sustrayendo el material, en este caso el mármol, hasta formar la escultura. La técnica que ha utilizado, como ya he dicho antes, es la técnica de la talla.

En el David de Miguel Ángel se encuentra una línea de fuerza principal, es la que está en la pierna derecha de la escultura. Esa línea de fuerza va dirigida hacia la parte inferior de la escultura porque ahí es donde se centra todo el peso de ella.

La escultura no tiene equilibrio, porque el peso de la escultura no esta repartido sino que se centra en la parte derecha del cuerpo de David. El escultor ha tenido que añadir un bloque pequeño de mármol a la escultura, se encuentra detrás de la pierna derecha, es como un trozo de árbol, esto sirve para ayudar a soportar el peso de la escultura.
En esta escultura no predomina la simetría, porque si la escultura la dividimos en dos, sus parte son desiguales, lo que el escultor ha querido es que haya cierta asimetría.

Esta escultura es figurativa, porque podemos distinguir con claridad todos los elementos que hay en ella. En la escultura se puede apreciar nu hombre, con dimensiones más grandes que lo real, con un cuerpo musculoso y perfecto que esta completamente desnudo. En su mano izquierda tiene una honda, esa mano esta apoyada sobre su hombro. Y en su mano derecha tiene una piedra. El escultor ha querido representar a este hombre como si estuviera pensando como utilizar esos utensilios. En verdad, lo que esta escultura quiere representa es una escéna bíblica, como David mata a Goliat.

Las formas de esta escultura son muy naturales, porque así eran las característivas del Renacimiento. En aquella época se intentaba que las esculturas fueron lo más natural posible y erna muy detallistas, intentaban que todo estuviera perfecto.

En esta escultura el elemento principal es el hombre, ya que es el único elemento y por tanto el núcleo de la escultura. Este elemento representa a David en el momento que estaba pensando como matar a Goliat. El escultor ha querido reflejar en su rostro rasgos pensativos. David esta pensando como matar a Goliat con la honda y la piedra. El escultor ha representado muy bien esto, no solo en el rostro de su cara, sino también en la postura de su cuerpo, ha querido reflejarlo en toda la escultura.

La esucltura es monocroma, porque en ella solo predomina un color y ese color es el color demármol. El escultor no ha querido pintarla, en mi opinión así la escultura tiene más elegancia que pintada.

3. Lectura contextual.

Esta esucltura esta realizada por Miguel Ángel Buonarroti. Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese y murió el 18 de febrero de 1564 en Roma. Es uno de los artistas más destacados, tanto en la pintura, escultura y arquitectura

Miguel Ángel a realizado muchas obras tanto escultura, pintura como arquitectura pero sus obras más destacadas han sido la Piedad del

Vaticano, Bóveda de la Capilla Sixtina y David.

El estilo de Miguel Ángel es el estilo renacentista italiano, ya que él era de esa época. En esta etapa destacaba las posiciones clásicas de las esculturas y el desnudo de estas. En el renacimiento italiano también cuidaban los detalles. En la escultura de David pordemos ver estos detalles del Renacimineto en el pelo rizado de David, en el rostro de su cara. En el brazo derecho se puede apreciar como el escultor ha

representado a la perfección las venas.

Esta escultura fue encargada por la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore, estas personas eran de la cooperativa de mercaderes de la catedral. Esta catedral se encuentra en Florencia. Al principio esta escultura estuvo expuesta en la plaza de Signoria. Pero esta obra de grna valor sufrió muchos daños por las constantes lluvias. Entonces quitaron esta esucltura de la plaza en la que estaba expuesta y la pusieron en el museo donde actualmente se encuentra. Hicieron una copia similar y la colocaron en la plaza, donde la verdadera se encontraba antes.

4.Lectura temática.

Esta escultura re presenta un relato bíblico. El tema de esta escultura es la lucha de David contra Goliat. Lo que esta escultura refleja es el momento en que David está pensando como ganar a Goliat, con la honda y la piedra que tiene en sus manos. El escultor ha representado muy bien el rostro pensativo que en ese momento tiene David.

Miguel Ángel

·Título: Virgen de la escalera.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1491
·Localización: Se encuentra en la Casa Buonarroti en Florencia.
·Datos técnicos: 55,5 x 40 cm.
·Características: Es una escultura en relieve de mármol.



·Título: La batalla de los centauros.
·Autor: Miguel Ángel
·Fecha: Aproximadamente en 1492.

·Localización: Se encuentra en la Casa Buonarroti.
·Datos técnicos: 84,5 x 90,5 cm.
·Características: Se trata de un relieve de mármol.

·Título: Ángel.

·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1494.

·Localizacion: Se encuentra en la Basílica de San Domínico en Bolonia.

·Características: es un bulto redondo de mármol.

·Título: Bacus.
·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: Fue realizada entre los año 1496 y 1497.
·Localización: Esta expuesta en el museo Nacional de Bargello.

·Datos técnicos: 203 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: La piedad del Vaticano.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: Entre los años 1498 y 1499.

·Localización: Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.

·Datos técnicos: 174 x 195 cm.

·Características: es un bulto redondo de mármol.

·Título: David.

·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: Entre los años 1501 y 1504.
·Localización: Se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia.
·Datos técnicos: 517 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol blanco. Es una de las obras mñas importantes y famosas de Miguel Ángel.

·Título: Tondo Taddei.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1504.
·Localización: Se encuentra en Londre en la Royal Academy of Arts.
·Datos técnicos: 109 cm de diámetro.
·Características: Es un relieve redondo de mármol.

·Título: Tondo Pitti.
·Autor: Miguel Ángel.
·Fecha: 1503.
·Localización: Se encuentra en el museo Nacional de Bargello.
·Datos técnicos: 82 x 85,5 cm.
·Características: Es un relieve de mármol redondo.

·Título: Madonna de Brujas.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: Entre los años 1501 y 1504.

·Localización: Se encuentra en la iglesia Nuestra Señora en Brujas.

·Datos técnicos: Sus medidas son de 123 cm.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: San Mateo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1503.

·Localización: Se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 2,61 m de altura.

·Características: Es un relieve de mármol.

·Titulo: Moises.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: Entre 1513 y 1515.

·Localización: San Pietrio in Vicoli.

·Datos técnicos:

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Esclavo moribundo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1513-1516.

·Localización: Se encuentra en el museo de Louvre en París.

·Características: Es un nulto redondo de mármol.

·Título: Esclavo rebelde.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1513-1516.

·Localización: Se encuentra en el museo de Louvre en París.

·Datos técnicos: 215 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Joven esclavo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1520.

·Localización: Se encuentran en la Galleria dell' Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 256 cm de altura.

·Características: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Esclavo despertándose.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1520.

·Localización: Esta escultura se encuentra en la Galleria dell' Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 267 cm de altura.

·Características: Es un relieve de mármol.

·Título: Esclavo barbudo.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1520.

·Localización: Se encuentra en la Galleria dell' Academia de Florencia.

·Datos técnicos: 263 cm de altura.

·Caracterísicas: Es un bulto redondo de mármol.

·Título: Cristo de la Minerva.

·Autor: Miguel Ángel.

·Fecha: 1521.

·Localización: Esta escultura se encuentra en la iglesia de Santa María sopra de Minerva en Roma.

·Características: Esta escultura se trata de un bulto redondo de mármol.

Diez esculturas

Diana de Versalles.
Esta escultura es del siglo I o II, se desconoce su autor.
Esta escultura representa a la diosa diana, Artemisa en la mitología griega, ella es la diosa de la caza, se encuentra en el museo de Louvre en París, en la época antigua servía como culto.

Esta escultura esta fabricada con mármol, es una escultura suave y lisa por el material del que esta hecho.
La escultura es figurativa ya que se distinguen todos los elementos que hay en ellas, en esta escultura se distinguen la diosa Diana, un ciervo y las flechas que ella tiene a sus espaldas. Es una escultura realista porque representa algo que ocurre en la vida real, en este caso puede ser la caza. Es exenta porque es independiente de cualquier otro elemento, es autónoma. Es una figura asimétrica, ya que no se aprecia ninguna similitud entre sus lados.

El método que utiliza escultor en esta obra es el método sustractivo, porque quita elementos. La técnica que utiliza es la técnica de la talla, golpeando un cincel con un martillo para tallar la piedra.

Esta escultura es monocroma porque predomina un solo color, en este caso el escultor ha preferido no pintarla, ha dejado el color del mármol que es blanquecino.

Piedad del Vaticano

Esta escultura fue realizada por Miguel Ángel, entre 1498 y 1499. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Es una escultura que pertenece al Renacimiento.

El material que ha utilizado el escultor es el mármol, por lo tanto es una escultura lisa y suave, ya que se ha utilizado este material.
Esta escultura es figurativa, porque se distinguen con claridad todos lo elementos de la escultura, en este caso se puede apreciar como la virgen sostiene a su hijo Jesús muerto entre sus brazos, también se pueden distinguir todos lo detalles, como por ejemplo los pliegues del vestido de la virgen y la expresión transmite tristeza y piedad. La escultura es realita y exenta, es exenta porque se pude ver desde todos sus ángulos y es independiente, no consta de ningún otro elemento que sirva de apoyo.

El método de esta figura es sustractivo porque el escultor ha ido quitando elementos de la escultura. La técnica que ha utilizado es la técnica de la talla, porque es la que normalmente se utiliza con este tipo de material.

Se puede apreciar simetría en la virgen, si tu divides a la virgen en dos partes son iguales, en cada una queda una parte del cuerpo de Jesús. Hay equilibrio porque tiene igual peso en sus dos partes. En esta escultura no predominan colores, porque el escultor no la ha pintado y la ha dejado con el color del mármol.

Neferiti

Esta escultura fue realizada por Tuthmose, se encontró en 1912. Está en el museo egipcio de Berlín. Pertenece a la época griega.

Esta escultura esta realizada sobre un núcleo de piedra y modelada con yeso. La superficie de esta escultura es suave y representa una lisura.
Es una escultura figurativa, ya que distinguimos que la escultura es un bulto de la reina Neferiti, que fue muy importante en la época egipcia, se pueden distinguir todos los complementos que llevaba en la vida real como la corona y lo collares. Es exenta porque se puede observar desde todos sus ángulos y esta trabajada en todos sus lados, es autónoma.

El escultor ha combinado ambos métodos, ha utilizado el método sustractivo cuando a tallado el núcleo de piedra y el método aditivo cuando a moldeado el yeso para darle forma a la escultura.

Es una escultura totalmente simétrica, si se divide la escultura en dos sus partes son similares. Y esta equilibrada porque el peso de la escultura se divide al igual en todas las partes de la escultura. Se puede apreciar que es una escultura policromada, que está pintada de varios colores, en este caso son colores vivos.

Flamingo

Esta escultura esta realizada por Alexander Calder en 1973. Se encuentra en una calle de Chicago. Pertenece al siglo XX, es decir, a la época moderna.

Esta escultura está hecha de acero, es una escultura resistente y lisa. La escultura es abstracta, ya que no podemos distinguir de que trata la escultura, ni los elementos que hay en ella. Cuando una figura es abstracta es muy difícil apreciar lo que el escultor ha querido transmitirnos con ella. Es una escultura exenta, porque esta trabajada por todos sus lados y se puede mirar de cualquier ángulo, es independiente.

El método que ha utilizado el escultor es el método aditivo, porque poco a poco a ido añadiendo cosas hasta que finalmente a formado esta escultura. Es como si fuera pegando todos de acero hasta formar la escultura.

Es una escultura abstracta, por lo tanto es asimétrica, no tiene ningún punto importante, toda la escultura destaca. En esta escultura el escultor solo ha utilizado un color, el rojo, por lo tanto es monocroma que solo está pintada de un color.

La batalla los Centauros

Esta es una escultura de Miguel Ángel. Fue realizada en el año 1492, se conserva en el museo de la Casa Buonarroti en Florencia.

Es una escultura de mármol, por lo tanto transmite suavidad. La escultura es figurativa porque podemos distinguir todo lo que hay en la escultura. En esta escultura se puede observar la batalla entre los griegos y los centauros. Se trata de un relieve, porque la escultura esta sobre una superficie y solo se puede mirar de frente. Un relieve puede ser de dos tipos relieve alto o bajo, en esta escultura es de los dos tipos porque en el centro de la escultura el relieve es alto y en la parte superior e inferior de la escultura el relieve es bajo, ya que en el centro la escultura tiene más profundidad mientras que en la parte superior e inferior tiene menos.

El método que utiliza en esta escultura es el método sustractivo porque utiliza el método de la talla, es el que se suele utilizar con este material.

Esta escultura no es simétrica porque si dividimos la escultura en dos las partes no son iguales. La escultura no necesita equilibrio ya que tiene un soporte.

La función que tiene esta esucltura es decorativa, es la función que tiene casi todos los relieves. Esta escultura no está pintada, por lo tanto el color de la escultura es el mismo del mármol.

Columna sin fin

Esta escultura esta realizada por Constantin Brancusi en 1938. Se encuentra en una calle urbana de Rumani, Targu Jiu. Esta escultura pertenece a la etapa moderna de la escultura.

Esta escultura esta hecha hecha de hierro fundido y hacero. La textura de esta escultura es lisa y suave. Aunque es una escultura moderna es figurativa, esto lo digo porque la mayoría de las esculturas modernas son abstractas. Esta escultura es figurativa porque se entiende que elemento hay en la escultura, una columna. es exenta porque se puede observar desde todo sus puntos de vista y es independoente de cualquier superficie.

El método que ha sido utilizado en esta escultura ha sido el método aditivo porque el escultor ha ido añadiendo elementos hasta formar la escultura.

Esta escultura tiene un perfecta simetría ya que si se divide en doa parte ambas son iguales. También tiene un perfecto equilibrio porque su perso está repartido por toda la escultura. El color de esta pintura es el mismo del acero, un color gris, es una pintura monocroma ya que en la escultura solo predomina un color.

Columna de Trajano

Esta es una foto de un fragmento de una un monumento de Roma. Este monumento es una columna que fue encargada por el emperador Trajano. Se desconoce al autor, pertenece a la época romana.

La escultura esta hecha de mármol, su textura no es suave ni lisa, como normalmente suele ser las esculturas que están hechas de mármol porque es su superficie hay relieves, estos relieves convireten a la escultura en una escultura aspera. Es una escultura figurativa, porque se distingue todo lo que hay en ella, la escultura representa las campañas ganadas del emperador Trajano. Esta escultura es exenta porque se puede mirar de todos lo puntos de vista y es independiente. La escultura esta decorada con relieves por toda sus partes, el tipo de relieve de esta escultura es relieve bajo porque la profundidad es casi nula. La función de este relieve es decorativa, sirve para que la columna este decorada.

El método de esta escultura es el método sustractivo, porque el escultor ha ido tallando el mármol hasta formar el relieve de la columna. La técnica que ha utilizado ha sido la técnica de la talla, es la que se suele utilizar con este material.

Esta figura es asimétrica, porque si la dividimos en dos las partes no son iguales ya que el relieve de cada parte es diferente. El equilibrio es perfecto porque el peso está repartido por toda la escultura. Antiguamente el relieve de la escultura estaba policromado pero con el paso del tiempo la figura ha perdido su color, ha podido perder el color por encontrarse al aire libre.

Monumento a Colón

Esta escultura esta dedicada a Colón, se encuentra en la plaza de Portal de la Pau en Barcelona. Fue expuesta al público en 1888. El autor de esta escultura es Rafael Atché.

Esta estatua está hecha de hierro y bronce, por lo tanto su textura es un poco rugosa. Es una escultura figurativa porque distinguimos todos los elementos de la escultura, en esta escultura hay una columna y al final de la columna esta la estatua de Colón ya que es una escultura dedicada a él. Es exenta porque es independiente de cualquier superficie y se puede mirar desde cualquier punto de vista.

El método que utiliza el escultor es el método aditivo, el escultor va añadiendo cosas hasta formar la escultura. Es el método que se suele utilizar con este tipo de material. La técnica que utiliza el escultor es la técnica de la soldadura.

En esta escultura puede haber simetría en la columna porque si se divide en dos las partes son iguales, luego en la estatua de Colón no hay simetría porque si la dividimos al igual que la columna las partes de la estatua no son iguales. Si hay equilibrio en ella porque el peso de la escultura está repartido. La escultura no está pintada, por lo tanto el color de la escultura es la misma que el metal, un color gris. En la escultura solo predomina un color.

Unidos somos

Esta escultura es de Miguel Martino. Es un escultor que trabaja con madera, todas sus esculturas son de madera. Esta escultura pertenece a la etapa moderna de la escultura.

El material que el escultora ha utilizado ha sido la madera, por tanto la textura será sueva por las características del material. La escultura es abstracta porque no sabemos lo que el escultor nos quiere transmitir con esta escultura, no la entendemos. Si es exenta porque es independiente y todos sus lados están trabajados.

El método que ha utilizado el escultor en esta escultura ha sido el método aditivo, el escultor ha ido añadiendo elemento hasta que finalmente a formado esta escultura. La técnica que ha utilizado con este material ha sido la técnica del encolado.

Esta escultura es simétrica porque si la dividimos las dos partes son iguales de esta escultura son iguales. Y tiene equilibrio porque su peso está repartido. La escultura es policromada porque esta pintada de dos colores, aunque el color que predomina es el color de la madera barnizada.

Venus de Milo

Se desconoce su autor. Es una escultura del años 130 y 100 a.C se creó entre estos años. Se encuentra en el museo de Louvre, en París. Pertenece al periodo helenístico.

Es una escultura hecha de mármol, como ya he dicho en anteriormente la textura de esta escultura sera suave y lisa por las características del material. La escultura es figurativa ya que podemos entender todo lo que hay en ella. En esta escultura se representa a la diosa Venus, una característica es que la diosa Venus no tiene brazos. Es exenta porque está trabajada por todos sus lados y es autónoma.

El método que ha utilizado el escultor en esta escultura es el método sustractivo, porque ha ido quitando material hasta formar la escultura. La técnica que ha usado ha sido la técnica de la talla, es la que se suele utilizar con este material.

Pienso que esta escultura no es simétrica aunque hay alguna posibilidad, y su equilibrio es perfecto ya que el peso de la escultura esta repartido por toda la escultura. Es una escultura monocroma porque solo predomina un color y es el color del mármol, el escultor ha preferido no pintarla.

La creación de Adán

1. Identificación.
- Título: La creación de Adán.
-Autor: Miguel Ángel Buonarrotti.
-Fecha: 1510

-Localización: Este cuadro es un fragmento del decorado de la Capilla Sixtina del Vaticano, que se encuentra en Roma.

2. Lectura formal.
-Categoría y técnica artística: Esta obra es una pintura. La técnica que utilizado Miguel Ángel es pintura al fresco. La pintura al fresco es un tipo de pintura que se realiza sobre una capa muy fina de yeso.

-Materiales utilizados: Esta obra está representada sobre una fina lámina de yeso de la Capilla Sixtina. La forma que utiliza el autor en esta obra es una forma rectangular.

-Descripción de los elementos de la obra: Esta obra es un fragmento de la bóveda de la Capilla Sixtina, es una de las escenas bíblicas que Miguel Ángel representó. Esta pintura es figurativa porque se puede reconocer fácilmente todos los elementos que la componen. La obra consta de dos elementos principales, Adán y Dios. En la izquierda del cuadro está Adán, él está recostado, totalmente desnudo, sobre una superficie que al parecer es la tierra. A la derecha del cuadro, aparece Dios, él está representado sobre una nube rodeada de ángeles. En el centro del cuadro aparece la imagen de la unión de las manos de Adán y Dios, sus manos están unidas por sus dedos, ese punto es por donde se transmite toda la fuerza para darle vida a Adán. Otros elementos pero menos destacados son los ángeles que rodean a Dios, estos ángeles están desnudos.

-Descripción de las formas de la obra: Las formas que predominan en este cuadro son formas naturales. Adán, Dios y los ángeles han sido representado de una manera natural por el hecho de ser personas. La tierra, en este caso parece ser una montaña, está representada de forma orgánica, ya que proviene de la naturaleza. También predomina la forma circular en la nube sobre la que está Dios.

-Descripción de la composición de la obra: En esta obra el núcleo de la obra son Adán y Dios, estos elementos son los que le dan sentida a la pintura. Miguel Ángel ha colocado estas figuras en un orden lógico, a la izquierda del cuadro está Adán recostado, en el lado opuesto del cuadro está Dios con los ángeles y estos elementos están unidos en el centro del cuadro por sus dedos, esta es una manera que el autor ha querido producir una sensación de realidad, porque esta es la explicación como Dios creo a Adán.

-Descripción del uso del color y la luz en la obra: Los colores que componente esta obra son colores apagados. La gama que predomina es la gama de colores fríos. El color que predomina en le cuadro es el color del fondo, ese color es blanquecino, este color le da un toque de luz al cuadro, dejando el primer plano, es decir a Adán y a Dios con un contraste de luz. También predomina el color verde en la superficie sobre la que está Adán y en una especie de fular que cae de una de los ángeles que rodea a Dios. Otro color que predomina en el cuadro pero en menos cantidad es el color rojo, que está en la nube sobre la que Dios baja a la superficie.

3. Lectura contextual.
-Estilo: Miguel Ángel nación el 6 de marzo de 1475 en Caprese, Italia y murió el 18 de febrero de 1564 en Roma. Él fue escultor, pintor y arquitecto, fue muy reconocido por muchos de estos trabajos. El estilo de Miguel Ángel era el Renacimiento Italiano, en este movimiento destacaron muchos más pintores como Leonardo da Vinci, Giotto, Sandro Botticelli. El renacimiento italiano fue unos de los movimientos más radicales y bellos. Este movimiento se basa en el arte de Grecia. Una curiosidad de Miguel Ángel es que nunca se consideró un pintor, aunque en la pintura fuera uno de los pintores más reconocidos. Las características del estilo de Miguel Ángel eran que siempre pintaba hombres musculosos y robustos, sus obras son representadas con un perfecto volumen para que fuera más real y que elimina el paisaje. En esta obra se puede ver estas características.

-Función: Esta obra es un fragmento del decorado de la bóveda de la Capilla Sixtina. En 1505 el papa Julio II le encargó a Miguel Ángel el decorado del techo de la Capilla Sixtina a Miguel Ángel, ya que ambos se sentían admiración mutua. Al principio Miguel ángel no estaba muy conforme, pero finalmente lo aceptó. Este trabajo fue un sacrificio para él porque duró cuatro años y no tuvo ningún ayudante, por tanto decoró él solo el techo de la Capilla Sixtina.
En esta bóveda se refleja nueve historias: La Embriaguez de Noé, El Diluvio, El Sacrificio de Noé, Caía del hombre, pecado original y expulsión del paraíso, La creación de Eva y La creación de Adán.

Miguel ángel también decoró el ábside de la Capilla Sixtina, este ábside esta decorado por la obra llamada El juicio final, que también es conocida por el juicio universal. Fue terminada en 1541, después de 5 años de trabajo. El tema de esta obra es el día del juicio final. En esta obra aparecen los siguientes personajes: Cristo, María, San Pedro, San Pablo, San Andrés, San Bartolomé, Santa Catalina, San Sebastián y San Lorenzo.
La intención que tiene Miguel Ángel en esta obra es representar la realidad, como Dios hizo al hombre.

4.Lectura temática.
-Tema: Esta obra es una pintura religiosa, como todo el decorado de la Capilla Sixtina porque representa escenas bíblicas. El tema de esta obra es como Dios creo al ser humano, en este caso Adán. Se puede ver como Adán parece ser una materia inerte, como algo que no tiene vida, y baja Dios del cielo y le transmite la fuerza para darle vida.

5.Conclusión.
En mi opinión, tanto todo el decorado de la Capilla Sixtina como este fragmento me parece obras muy interesantes, porque están muy bien representadas y representan hechos que según la biblia fueron reales.

El árbol de la vida

1. Identificación.

-Título: El árbol de la vida.
-Autor: Gustav Klimt.
-Fecha: 1905-09
-Localización: Österreischisches Museum für Angewandte Kunst. -Datos técnicos: 195 x 102 cm.

2. Lectura formal.

-Categoría y técnica artística: esta obra es una pintura. la técnica que a utilizado el autor es pintura al temple. la pintura al temple se puede realizar con el agua, algún tipo de grasa de animal u otra materia orgánica.

-Materiales utilizados: los materiales que a utilizado el autor es un lienzo de forma rectangular.

-Descripción de los elementos de la obra: En esta obra hay tres elementos. En la parte izquierda del cuadro hay una mujer de perfil, con el pelo negro, en el pelo lleva como una diadema de color oro. En frente de esta mujer, es decir en la parte derecha hay otra mujer, parece que está abrazada con otra personas, pero la otra personas y el cuerpo de ella están tapados con una especie de manto.
En el centro del cuadro hay un árbol de color marrón, las ramas de ese árbol están esparcidas por todo el cuadro, estas están acabadas en forma circular. También hay otros elementos, aunque menos importantes que están en las ramas del árbol, como por ejemplos platos, y también hay unos elementos con forma de setas que tienen la función de decorar. Otro elemento muy curioso, hay un pájaro de color blanco y negro que está apoyado sobre una rama del árbol.

-Descripción de los elementos de las formas de la obra: En este cuadro predominan las formas geométricas, sobre todo en el vestido de la mujer que esta en la parte izquierda del cuadro y en el manto que tapa a la persona que esta abrazada con la mujer de la derecha del cuadro. También hay formas geométricas en el suelo del cuadro y en el tronco del árbol. Las otras formas que predominan en el cuadro son las formas circulares que están en las ramas del árbol.

-Descripción de la composición de la obra: Los tres elementos que destacan en el cuadro son la mujer que está sola a la izquierda, el árbol que representa el árbol de la sabiduría de la vida y la mujer que está abrazada con otra persona, esto puede representar a una pareja de enamorados. En este cuadro puede haber un poco de simetría porque si divides el cuadro por la mitad, en el centro del árbol, las dos partes que quedan tienen sentido, porque cada elemento del cuadro queda en una parte del cuadro.

-Descripción del uso de color y luz en la obra: La mayoría de colores que usa Klimt en esta obra son colores de tono naranja. También utiliza colores neutros como el marrón. La mujer que está a la izquierda, en su vestido predominan colores como el naranja, el amarillo y también pero en menos cantidad el azul, el negro y el verde. En la mujer que está abrazada con otra persona, predominan colores como el marrón, el negro, el verde, el naranja y el blanco. En el árbol y el suelo, que parece como si fuera la tierra, predominan colores el color marrón, el negro, el verde y el naranja. También hay color negro y blanco en el pájaro que está en la rama del árbol, como ya he dicho antes.
La luminosidad del cuadro varía porque hay más luminosidad en el centro del árbol, mientras que los otros elementos del cuadro están menos iluminados.

3. Lectura contextual:

-Estilo: En el periodo que Klimt estuvo pintando esta obra se encuentra en unos de los momentos más importante de su vida profesional. En 1904 comienza los dibujos para la decoración del Palacio Stoclet de Bruselas, que finalizó en 1909. En 1908 se encuentra en lo más alto de su carrera, con algunas de sus pinturas más famosas como El beso, Dánae y Judith II. El estilo de Klimt y el que utiliza en este cuadro es el simbolismo, es muy difícil definir el simbolismo de una forma general. Klimt aparte de ser pintor también fue decorador, y el árbol de la vida fue una de sus últimos trabajos decorativos. El árbol de la vida es una parte de la decoración que Klimt hizo para el palacio de Bruselas.

-Función: Este cuadro formó parte de un encargo que le hicieron a Klimt para decorar el palacio de Bruselas. Adolphe Stoclet, un industrial belga y su esposa, Suzanne Stevens vivían en Viena desde 1904. Encargó la decoración del palacio de Bruselas a Josef Hoffman y a Klimt. Klimt se encargó de la decoración del salón comedor . Este cuadro también es conocido por el nombre de friso de Scoclet, está es una de las obras decorativas de Klimt más destacadas, no solo por el contenido sino también por la decoración.

4. Lectura temática:

-Tema: Esta pintura es una pintura simbólica, del estilo de Klimt. El tema de este cuadro es el árbol de la vida, también se puede llamar el árbol de la sabiduría. El tema que trata Klimt en esta obra es uno de sus temas claves en muchas de sus obras, que es la vida y la muerte. El árbol de la sabiduría es un símbolo de la Edad de Oro, porque recoge todos los temas que tenían importancia para Klimt, como la mujer o el amor. Destaca que la muerte es representada con el pájaro negro. También hay que destacar el abrazo de las dos personas de la derecha y la mujer de la izquierda como los está mirando.

5. Conclusión:

Esta es una de las obras de Klimt que más me gusta, porque me parece muy interesante como Klimt ha representado todos los temas que a él le gusta, como la mujer, el amor, la vida y la muerte en un solo cuadro.